Geppy Pisanelli

Paola de Ciuceis in conversazione con l’artista Geppy Pisanelli

PDC – Come e quando nasce il suo interesse per l’arte? E come si sviluppa?
GP – L’attitudine al disegno si è manifestata sin da bambino, i miei ricordi risalgono all’età di 7-8 anni, mentre mia madre ricorda che disegnavo anche a 3 anni. I primi lavori a olio, una veduta di Capri, un paesaggio ed un puma che scendeva da una roccia, li ho realizzati ad 8 -9 anni. Ovviamente come diceva Picasso “tutti i bambini sono artisti, il problema è come rimanere artisti una volta cresciuti”. Per fortuna, devo dire, il bisogno di esprimermi attraverso il disegno è rimasto anche in età adulta. Durante gli studi universitari, che sono stati studi scientifici in medicina veterinaria, dopo i quali ho conseguito un Dottorato di ricerca in virologia, dedicavo ore quotidianamente al disegno ed alla pittura. Ho dipinto sempre, in maniera costante ed è stato un continuo sperimentare. In principio, la mia pittura era molto studiata, la fase progettuale era molto lunga e complessa, con una dedizione al disegno preparatorio, direi quasi maniacale. Adesso, mi concedo più libertà.
Per quanto riguarda i temi, cerco di analizzare quelle che sono le domande fondamentali dell’uomo. Chi siamo? Dove andiamo? Qual è il senso della nostra esistenza? Nei primi lavori la figura umana era una costante ma, nel tempo, l’ho sostituita gradualmente con oggetti che ne richiamano la presenza. I soggetti che mi appassionano sono immagini archetipo e atemporali, scelti tra quelli che io definisco unità minime di sopravvivenza e comuni a tutte le popolazioni e latitudini. Ad esempio, le zattere negli ultimi lavori, le tende in quelli un poco precedenti. Diverso è il lavoro del ciclo “Clouds” dove l’approccio è più istintivo, ma senza mai trascurare la composizione ed i rapporti tra luce e ombre.

PDC – Perché la pittura come mezzo espressivo?
GP -Per me l’arte, pittura, scultura, arti visive in genere ma anche letteratura, teatro, musica, è il mezzo di comunicazione fondamentale allo sviluppo dello spirito del singolo e dell’umanità intera.  La pittura è il medium d’elezione che utilizzo per comunicare e, ovviamente, quello che reputo abbia le maggiori potenzialità espressive tra le arti visive. Considero il motto “l’arte per l’arte” come qualcosa di sterile e senza senso. L’arte che si risolve solo nell’esperienza estetica e formale e non nei contenuti è mancante di una parte fondamentale. C’è, poi, da aggiungere che allo stesso modo un’arte che trova la sua ragion di essere, solo nei contenuti e trascurando le ragioni estetiche, è poco interessante. La grande arte è quella che combina entrambe, etica ed estetica.  Ed è tanto più grande quanto più universale è il suo messaggio. Naturalmente, sono anche in grado di apprezzare, da un punto di vista puramente intellettuale, ciò che altri hanno fatto partendo da presupposti opposti ai mie, cioè “l’arte per l’arte” o il concentrarsi solo su forma e colore senza nessun’altra connotazione.

PDC – Quale messaggio vuole trasmettere?
GP – Ciò che desidero è che lo spettatore, dopo aver visto miei lavori, inizi a porsi più domande. Per me, il compito dell’arte, non è quello di dare massaggi o risposte ma di porre domande e stimolare l’intelletto; più è spronato, più si crea una coscienza critica, quindi, più persone con capacità d’analisi nel decifrare la realtà, è in questo momento che l’estetica coincide con l’etica. Quanto ai contenuti, ciò che mi interessa è creare immagini che oltre a riprodurre la realtà rimandino ad figurazioni “mentali” che conducono l’osservatore ad una riflessione più ampia sulla valenza della pittura come mezzo espressivo per interpretare la realtà. Se dovessi esprimere in sintesi il mio lavoro, lo definirei “minimalismo narrativo”. Ovviamente, si tratta di un ossimoro, in quanto nel minimalismo il concetto di narrazione è abolito e l’opera si risolve solo nella struttura formale e concettuale. Tuttavia, nel mio caso, il termine minimalismo sta a indicare, appunto, una pittura in cui la composizione è essenziale, ridotta per cosi dire a termini minimali, pochi elementi, che tuttavia riescono a sviluppare un percorso narrativo, a raccontare o suggerire una storia.

PDC – Qualche incontro fondamentale?
GP -Vivere 6 mesi l’anno a New York, ha diversi vantaggi per un’amante dell’arte ma non solo. Quale che sia il proprio interesse, lì, lo si trova alla massima espressione; ci sono i musei e le gallerie più interessanti al mondo, per cui ci sono mostre in quantità elevata ma soprattutto di qualità; io stesso ho avuto modo di vedere opere di artisti che conoscevo solo attraverso libri e cataloghi. Un incontro fondamentale è quello con l’opera di un artista che considero sostanziale, Turner; al Metropolitam Museum, in occasione della retrospettiva, ricordo di essere rimasto davvero colpito da come Turner usava la luce e i colori, in particolare l’uso del giallo. Credo di non aver provato mai un piacere intellettivo cosi intenso!

PDC – A spasso tra i secoli…a quale artista farebbe visita?
GP -Ci sono tantissimi artisti del passato cui farei visita. Sono tutti quelli cui ho guardato e guardo, sulle opere dei quali mi soffermo attratto dalla scelta delle soluzioni formali e compositive più interessanti filtrandole attraverso la mia idea di arte. In questo viaggio tra i secoli visiterei anche degli artisti contemporanei. Partirei con Caspar David Friedrich, grande pittore romantico tedesco, che ha influenzato diverse generazioni di artisti incluso quelli del 900, tra cui Gerard Richter. Alcune sue opere sono strabilianti sotto tutti i punti di vista. Poi mi piacerebbe fare una capatina da Bosch e dai Brughel nei Paesi Bassi. Bosch è un visionario, che ha anticipato di secoli il surrealismo; la sua fantasia è illimitata, sembra provenire da un altro pianeta.
Invece di Brugel, mi affascina la sua capacità immaginativa e il fatto che dietro ad ogni sua opera si può leggere una storia ed una morale. In Italia, invece, visiterei tutti gli artisti del Rinascimento ai quali dobbiamo la nostra identità culturale, dalla triade Michelangelo, Raffaello e Leonardo a Tiziano tanto per citarne alcuni. Caravaggio per la sua carica rivoluzionaria, Lorenzo Lotto per l’intensità espressiva dei suoi ritratti cui Caravaggio stesso ha guardato molto. Tra i contemporanei andrei a studio da Anselm Kiefer e mi piacerebbe disquisire di arte con Kounellis, entrambi hanno fatto e continuano a fare un lavoro epico; li ho conosciuti entrambi a New York, ed è stato davvero un gran piacere. Poi c’è David Hockney, un gigante, spettacolare il suo lavoro pittorico e interessantissimo il suo libro The secret knowledge, Il segreto svelato dove dimostra come i grandi maestri del passato siano arrivati a dipingere in maniera eccelsa utilizzando dispositivi ottici quali gli specchi concavi e la camera oscura; sudi lui esiste anche un documentario edito dalla BBC, consiglio a tutti di vederlo. E mi fermo qui, questa lista potrebbe essere infinita.

PDC – Parola d’ordine ricerca, come si divide Geppy Pisanelli tra arte e scienza?
GP – Sono fortunato, mi dedico a due discipline dello scibile umano, arte e scienza, che sono tra le cose più alte cui, secondo me, un uomo possa ambire. Sono un ricercatore dell’Università degli studi di Napoli Federico II, sono un virologo, e divido il mio tempo per la ricerca tra il Dipartimento di Medicina Veterinaria e Produzioni Animali dell’Università degli Studi di Napoli Federico II e il Dipartimento di Microbiologia dell’Icahn School of Medicine al Mount Sinai di New York. In particolare, studio i meccanismi di immuno-evasione dei virus ad RNA, cioè le strategie che i virus usano per evadere il sistema dell’immunità innata e, in ultima analisi, causare la malattia. Sul versante arti visive, invece, il mio interesse ovviamente è rivolto alla pittura come linguaggio elettivo di espressione. Sono due attività molto impegnative che mi prendono tutta la giornata ed anche la notte; per questo parlavo di discipline, perché per praticarle occorre un impegno ferreo e una dedizione assoluta. Apparentemente sembrano ambiti distanti tra loro ma i punti in comune sono tanti: per entrambi ci vuole un interesse costante e quotidiano, uno studio profondo e una conoscenza accuratissima delle regole. Si esercitano fondamentalmente in solitudine, tuttavia per ambedue si ha bisogno di un confronto costante con i colleghi ricercatori e/o artisti. La differenza, fondamentale, è nel fatto che l’arte si basa sull’unicità del prodotto artistico, la scienza sulla riproducibilità dei dati ottenuti.